‘Diarios de Motocicleta’: la humanidad entre líneas


 

Instrucciones para el lector: reproduce el vídeo y lee el artículo con su música de fondo. Al terminar de leer, sumérgete en la música e imágenes del último vídeo. Y, desde luego, disfruta.

 


 

Corría el año 1952. La destartalada motocicleta “La Poderosa” reposaba sobre la acera del 129 de la Calle Rojas, en Buenos Aires. Mientras, Ernesto Guevara y Alberto Granado se fundían en un abrazo con la familia del primero. Después, con la pesadumbre del adiós y la electrizante exaltación de la inminente aventura, amarraban las últimas bolsas y mochilas a su Rocinante motorizado. Así, nuestros héroes, emprendieron un viaje que les llevaría al corazón del continente. Ante ellos se extendía toda América Latina. Desde la Patagonia hasta Caracas, pasando por Valparaíso, Cuzco y Lima.

150f457d480d2478e87e71f48fca19c5

Ernesto y Alberto se enfrentaron a la carretera como aquel que se enfrentó a molinos de viento, y fueron suficientemente valientes como para ver más allá que carreteras polvorientas y barro. Alberto y Ernesto, locos e idealistas, abandonaron la civilización para estar más cerca de la tierra. Se despojaron del estudio, del trabajo, de la familia y de Argentina para, como dice Joyce en “Portrait of an Artist as a Young Man”, forjarse una nueva identidad, convertirse en artistas. Y es que hace falta ser un artista para trazar con tanta maestría semejante retrato del continente y sus gentes.

Precisamente porque Latinoamérica no es nada sin los latinoamericanos, Alberto y Ernesto plasmaron, entre líneas, la esencia del continente en sus diarios de motocicleta. Una esencia que surgía de la unión entre Latinoamérica y sus gentes, donde tierra y sangre se funden en un solo ente. Un continente mestizo que, según Ernesto, comparte un mismo objetivo. Las pescaderas de Valparaíso, los ganaderos peruanos, los campesinos indígenas y los explotados mineros en el Atacama fluyen por las venas abiertas de un continente al que dan vida. Así, Alberto y Ernesto nos ofrecen un retrato de la América Latina explotada por los poderosos, esclava de la herencia colonial española… Una Latinoamérica enferma a la que curar.

 Y es que, la primera palabra de la tierna infancia de Ernesto Guevara fue “inyección”. Sabía, de primera mano, el sufrimiento que conlleva una enfermedad. Conocía la pesada carga que supone llevarla consigo y lo duro del tratamiento. Así, en la ruta, diario en mano, supo ir más allá de los meros paisajes que les regalaba la carretera para sumirse en las entrañas del continente y hacer el diagnóstico apropiado que le llevó a tomar el camino de la revolución. motorcyclediaries-bernal1_1096044881

En «Diarios de Motocicleta» vemos como la revolución de Ernesto no empezó en Cuba. Empezó en la ruta, donde se dio cuenta de que no quería que nadie sufriera porque entendía a la perfección lo que el sufrimiento implicaba. Da igual si la enfermedad es económica o de salud: lo que importa es que la enfermedad te aleja –o te aparta completamente– de la humanidad. Los mineros del Atacama, totalmente dependientes del patrón, sin lugar donde cobijarse y con la incertidumbre de si comerán o no ese día. Los leprosos a los que trataba en la colonia en el Perú, que eran separados de los sanos por el río que debían cruzar para atenderlos. El río…

Spoilers aparte, Ernesto en un momento dado durante su estancia en la colonia de leprosos, celebra su cumpleaños en la parte “sana” del río, donde se aloja el personal médico. De repente, mirando a la luz del campamento de los leprosos al otro lado del mismo, toma la decisión de cruzarlo a nado para celebrar su cumpleaños al otro lado del río. El otro lado del río, efectivamente, es mucho más que una mera cuestión de geografía. Allá, en el otro lado del río, están los otros. Ernesto, como recoge Jorge Drexler en la canción que cierra este artículo, remó, remó y remó. Y consiguió llegar a la otra orilla y festejar con aquellos que han sido apartados.

Ernesto Guevara nos enseña que, en lo más profundo del corazón, en el fondo de las entrañas llevamos la revolución. La revolución sale, hace deslizar el bolígrafo sobre el papel, sale por nuestras bocas en forma de grito desgarrado y dota a nuestros abrazos del calor de la humanidad. La revolución hace que en un arrebato de humanidad cruces un río en mitad de la noche para perderte en un mar de abrazos. La revolución es amor. the-motorcycle-diaries-dvd2

Hoy, miles de sirios, al otro lado de un río más grande llamado “Mediterráneo”, están arriesgando sus vidas para dejar de ser los otros. Los del otro lado. Aquellos cuya historia no es la nuestra, los apartados. Hoy, en África, millones de personas no tienen ni para comer y se sumen en viajes imposibles para cruzar el Estrecho y buscar una vida mejor. Hoy, miles de personas en España están en riesgo de exclusión social o corren el peligro de perder su vivienda, sufriendo quebraderos de cabeza.

Todos ellos están al otro lado del río. En nuestras manos está cruzarlo y, entre sus líneas, reescribir la humanidad.

 

Cuestión de prioridades

Ser consciente de las propias faltas es el primer paso para avanzar. Una encuesta realizada en diciembre de 2015 por el Centro de Investigaciones Sociológicas (CIS) reflejaba que aproximadamente la mitad de los españoles reconoce estar desinformada sobre temas medioambientales. No es extraño entonces que, a comienzos de 2016, los españoles no consideraran el cambio climático entre sus principales preocupaciones, según el CIS.

Admitiendo que el cambio climático es la principal amenaza para la humanidad, es cuando menos llamativo  este desinterés público. No puede entenderse esta situación sin la influencia de los grupos más poderosos a nivel internacional, que promueven una desinformación calculada para que sus intereses a corto plazo no se vean comprometidos. Y, pese a diferentes movimientos sociales, protestas o emergentes partidos verdes que evidencian una mayor preocupación,  esta es insuficiente. Dos buenos ejemplos sostienen este punto de vista.

 Por una parte, el acuerdo alcanzado en la Cumbre de París fue calificado por los medios de comunicación de mayor cobertura como histórico. No obstante, dicho acuerdo representa únicamente la buena voluntad de los países  para combatir el cambio climático pero no una legislación vinculante y, por tanto, tampoco contempla la posibilidad de penalizaciones económicas por incumplimiento de objetivos marcados. cambio_climatico_01Por otra parte, los dos principales partidos de España se presentaron a las elecciones con programas electorales inconcretos y vagos en lo referente al cuidado del medio ambiente, mostrando tan solo una buena disposición de protección de lo verde. Así, el Partido Popular afirma que “dará pasos adicionales para lograr una economía con menores emisiones de carbono” y que serán más efectivos en “la lucha contra el cambio climático”. ¿Qué pasos? El impuesto al sol no es precisamente la dirección más correcta para tal objetivo. Por otro lado, el Partido Socialista no es especialmente conciso cuando expone que recuperarán “políticas del Cambio Climático” ¿Qué políticas? ¿Aquellas de ayer que sabemos hoy son insuficientes? 

Tan solo con una conciencia social comprometida en la acción contra el cambio climático se obtendrá la correspondiente acción gubernamental, en una tarea que es, huelga decirlo, internacional. Aquí es, por tanto, imprescindible hablar de la mayor potencia mundial en la actualidad.

Estados Unidos está inmerso en la elección de los candidatos a la presidencia de los próximos cuatro años. Aunque el 99% de la comunidad científica está de acuerdo en que el cambio climático existe y que se debe principalmente a la actividad humana, los candidatos republicanos a la nominación niegan las evidencias. De hecho, Donald Trump llegó a escribir en Twitter hace unos años que el calentamiento global fue creado por los chinos para conseguir que Estados Unidos no fuera competitivo. Ted Cruz, el único candidato con opciones de apartar a Trump en la nominación republicana, asegura que el cambio climático es una teoría pseudocientífica que sirve como excusa para que el gobierno adquiera más poder del que le corresponde.

Afortunadamente, el bando demócrata parece más dispuesto a tomar medidas eficaces contra el calentamiento global.  El presidente Barack Obama rechazó recientemente la construcción de un oleoducto de 1.900 kilómetros para el transporte de petróleo, siendo aplaudido por colectivos ecologistas.  También la candidata que lidera la carrera por la nominación demócrata, Hillary Clinton, ha mostrado su interés por la lucha contra el cambio climático; el otro candidato demócrata, el socialista Bernie Sanders, es el más preocupado y decidido a combatir el cambio climático, siendo este tema uno de los ejes de su campaña política.

A todo esto, a finales de marzo, la revista Nature publicó un artículo en el que unos investigadores de Estados Unidos estudiaron las consecuencias del cambio climático sobre la Antártida, teniendo en cuenta diferentes variables que anteriormente no fueron sopesadas en los modelos de estudio. Concluyeron que el aumento del nivel del mar, uno de los efectos más dramáticos del cambio climático, será mayor aún de lo que se predijo. Este reto mayúsculo que afronta la humanidad necesita la conciencia, movilización y acción ciudadana, porque el momento de las soluciones es ahora. Cuestión de prioridades.

Juan Andrés Moriano

Muerte, sexo y pop: Post Pop Depression

Post Pop Depression ese es el título del último disco de Iggy Pop. Junto con Matt Helders, batería de Arctic Monkeys, y Hosh Homme, Queens of the Stone Age, Iggy Pop nos trae la depresión umbría y rabiosa del post pop. A sus 68 años Iggy Pop, que ha señalado el disco como el último de su carrera, homenajea musical y líricamente a diversas figuras del pop, introduce preguntas de corte existencial y realiza una descripción del panorama actual.

e6ea053b

De muerte y sexo hablan principalmente las letras como dos pulsiones intercomunicadas cuyos canales y conductos nos dirigen a una serie de reflexiones sobre el pop, su evolución y resultado, sobre la pervivencia del hombre en el tiempo, la vejez y la degradación. Nos encontramos con un texto que no duda en expresar el contenido como una sentencia grave y con autoridad. El mensaje es directo y nítido. Así encontramos una serie de versos que definen y dan contorno al disco. Consecuentemente, los sonidos limpios y esotéricos acompañan al contenido mostrando una serie de referencias musicales que tienen mucho que ver con el Iggy Pop de «The Idiot» y «Lust for Life» , Bowie, Queens of the Stone Age o The Strokes. Las distorsiones rodean la palabra que causa el escalofrío, con todo lo que ello implica. El verso raja la melodía mostrándonos en bandeja el desengaño: una verdad contundente que desafía.

Comenzando por una «Breaking into your heart» declarando con los dientes apretados una situación en el mundo, pasando por «Gardenia», en el que Iggy Pop se define como el mejor poeta del momento, llegamos a una «American Valhalla» inquietante y sarcástica que da paso a «In the Lobby» , «Sunday» y «Vulture», tres digresiones sobre la muerte. La oscura «German Days» junto con «Chocolate Drops» irónicamente dulce y «Paraguay», el triunfo del individuo, ponen el punto final al disco.

Post Pop Depression constituye pues un álbum ecléctico como el buen producto posmoderno que es. Con rabia contenida pero también ternura, desesperación y optimismo Iggy Pop se autoafirma y señala con el dedo, desde su situación vital, a un mundo que no quiere que le olvide.

Este es el repaso pista por pista de los mejores fragmentos de cada texto:

 

  1. «Break IntoYourHeart»

«Times so tight,it’s closing in
forty more hours to go
when the tumblers spin
I’m getting in.
Gonna be time to grow«

https://www.youtube.com/watch?v=OnzzvoEWlzg

 

  1. «Gardenia»

«Your hourglass ass
and your powerful back.
Your slant devil eyes
and the ditch down your spine
Deep as… Deep as…«

https://www.youtube.com/watch?v=1m8TmlS20ZA

 

3.» American Valhalla»

«Where is American Valhalla
Death is the pill that’s tough to swallow
Is there anybody in there?
Who do I have to kill?
I’m not the man with everything
I’ve nothing, but my name«

https://www.youtube.com/watch?v=EvuczY7o5I0

 

4.»In The Lobby»

«My shadow is walking
in front of me.
The longer the night
the shorter my leash.
And it’s a long, long night
and I hope I’m not
losing my life tonight«

https://www.youtube.com/watch?v=x5dSJJw-Pnw

 

  1. «Sunday»

«This street is as cold as a corporate lawsuit
a pride I can’t catch telling me to wipe my boot.
I’m a wreck, what did you expect?«

https://www.youtube.com/watch?v=zMBQMQfrPso

 

  1. «Vulture»

«Fat, black vulture
white head hung low
chewindead meat
by the side of the road.
His evil breath
smells just like death
he takes no chances
he knows the dances»

https://www.youtube.com/watch?v=_cHES8-QQb4

 

  1. «GermanDays»

«Schnellimbiss
and Pope Benedict
Brilliant brains
And the end of pain«

https://www.youtube.com/watch?v=jZFf5Wd5Rew

 

  1. «Chocolate Drops»

«When you get to the bottom
you’re near the top
the shit turns into chocolate drops«

https://www.youtube.com/watch?v=X1qjYmOi5Bs

 

  1. «Paraguay»

«There’s nothing awesome here
not a damn thing.
There’s nothing new
just a bunch of people scared.
Everybody’s fucking scared
fear eats all the souls at once
I’m tired of it«

https://www.youtube.com/watch?v=nLcUR7iBWqE

 

«Para ahorcar está el Mellado»

La Jácara del Mellado de Calderón de la Barca, por el Aula de Teatro Electra

20160405_195855

El aula de Teatro Electra de Salamanca pone en escena su nuevo proyecto. Fieles a sus principios de experimentación, los actores y actrices del aula se lanzan a representar cuatro versiones radicalmente distintas de una jácara del siglo de Oro de Calderón de la Barca. La jácara del Mellado, con sus personajes tipo y su jerga de germanía, se transforma en crítica social, pero también en ritual, en realidad dramática, e incluso en perversión enmascarada. Respetando el verso y ritmo de Calderón, el aula de Teatro Electra llegará a la Malhablada y al teatro Juan del Encina para representar un mismo texto según cuatro distintos métodos teatrales: Stanislavsky, Lecoq, Grotowsky y Brecht.

20160405_180146

 

La versión de Stanislavski

Esta es la versión más realista de la Jácara. Nos traslada a la celda de la cárcel en la que se encuentra preso el famoso jaque, el Mellado, al cual van a “ahorcar mañana”. La jácara se convierte en el duro drama de la despedida del Mellado y su daifa, la Chaves, desarrollado al ritmo de la guitarra y de la burla de un músico insolente para finalmente sumergirnos en una atmosfera de empatía y llanto.

2016-04-12 13.51.10

Directora: Marina Galán

Pablo Salinero: El Mellado

Júlia Petrus: La Chaves

Virginia Sainz: Músico

 

 

La versión de Lecoq o Comedia del arte

¡Prepararos para enfrentaros a la intensidad y al humor que esta versión de la Jácara nos trae! Bajo extravagantes máscaras, un esencial lenguaje gestual y expresión corporal, las tres actrices de esta versión nos muestran, con un toque perverso, el lado cómico y grotesco de la vida antes de enfrentarse a la muerte.

 

12916735_10207428629046360_1187809772370509986_o

Directora: Celia Díaz

Mariel Guinea: El Mellado

Olga Ryabukha: La Chaves

Rocío Pérez: Músico

 

La versión de Grotowsky

Respetando las técnicas experimentales del “teatro pobre” de Jerzy Grotowsky, la jácara del Mellado se transforma en un ritual. Nos sumergimos en una atmósfera espiritual y ritualistica en un espacio reducido, con luz tenue y sonidos repetidos. En esta versión de la Jácara se cumple uno de los principales objetivos de Grotowsky: el eliminar la división entre el actor y el espectador para crear una comunión conjunta entre ambos.

Sin título

Director: Carlos Esteban

Javier Bernal: Mellado

Ángela Z. Berbetti: Chaves

Valeria Martinez: Músico

Carlos Esteban: Músico

 

Versión Bertolt Brecht

En esta versión se rompe la cuarta pared y se reproduce la Jácara del Mellado según las ideas teatrales defendidas por Brecht en su teatro Épico. En este sentido, la jácara se convierte en una crítica al trabajo asalariado y la explotación. El espectador se alejará de toda posible empatía para enfrentarse al distanciamiento característico del teatro épico. Nos situaremos frente al mecanicismo de los trabajadores; la Chaves, el músico y el Mellado, en una cadena de trabajo bajo sus asumidos roles de oprimido y opresor.

Sin títulobre

Director: Luis Martínez

Gonzalo Barrueco: Músico

Amaia Viñegra: Chave

Leo Merati: Mellado

 

 

Los Pases en la Malhablada tendrán lugar todos los miércoles de abril de 20.00 a 22.00. Cada pase tiene un valor 3 euros, pero para los más curiosos que quieran ver todas las obras, hay una oferta para ver las 4 obras por 9 euros.

12615220_941930669216242_1220439103750746525_o

https://www.facebook.com/lamalhablada.salamanca/?fref=ts

 

¡Pero esto no acaba aquí! Todas las versiones de las Jácaras serán unidas y conectadas armónicamente (¿o tal vez des-armónicamente?) creando una misma obra el día 29 de abril en la Biblioteca Gonzalo Torrente Ballester de Salamanca y el día 4 de mayo en el Teatro Juan del Encina. ¡No os lo perdáis!

 

Y la tercera semana de abril tal vez haya alguna sorpresa más….

11695919_10153563228310086_5776675448796719981_n

¡Energía Electrica!

https://www.facebook.com/AsociacionElectra/?fref=ts

https://www.facebook.com/events/205924503115507/

De escritor a escritor (y su introducción)

Me atrevo a decir que el día que descubrí el botón «Guardar» en Facebook es, por ahora, el mejor de mi vida. Ya nunca volvería a pensar «esto es interesante, pero qué pereza ahora». No, señor. Todo pasó a ser «pues lo guardo», y un nuevo mundo entero, sin imposibles, se abrió ante mí.

Y qué alegría descubrir que, además, Facebook te recuerda, de vez en cuando, que has guardado cositas, y puedes mirar y mirar todo lo que has guardado —y aun así no leerlo—. Es tan absoluta la calma, tan reconfortante el saber todos esos pequeños tesoros ahí, depositados, sin la posibilidad de perderse en ningún home page entre el frenesí diario de las publicaciones vacuas, inacabables, infinitas… ¿o es siempre la misma?, ¿el mismo tipejo machista? —«También hay violencia de género de mujeres hacia hombres»—; ¿el mismo runner compartiendo su desayuno? —«Nada como un batido saludable con leche de almendra para empezar bien el día»—; ¿la misma persona en la playa intentando sorprendernos con una puesta de sol? —«La amistad es eterna»—. Ahí estarán esas joyas, esperando, casi vibrando, casi anhelando ser engullidas. De repente tiene sentido poner atención a los vídeos musicales de Youtube que comparten ciertos selectos amigos. De repente se vuelve importante seguir a la gente correcta. De repente Facebook cobra sentido.

loco

Ay. Pero el número de enlaces guardados crece rápido, muy rápido —194 publicaciones guardadas, 353 publicaciones guardadas…—. Publicaciones fuera de contexto, títulos sueltos: «Máquina de doblar ropa», «Alton Brown’s Hot Spinach and Artichoke Dip Recipe», ¿«Un libro de colorear dedicado a la vagina»? ¿En serio?
Ay. Qué fácil no poder responder los porqués: ¿por qué guardé un kit básico de introducción al maquillaje?, ¿por qué pensé que este enlace podía valer la pena si se llama «Nuestra convocatoria sigue vigente :3» —sí: :3—, ¿por qué no me preocupé por mirar si este documental en suajili tenía subtítulos?, ¿por qué no leí este maravilloso artículo acerca de la migración de las cigüeñas cuando necesitaba la información para escribir aquel poema que ahora está enterrado, y lo estará por siempre, en la ciber-papelera?, ¿por qué pensé que pondría en práctica estos 10 métodos que «cambiarían mi vida para bien en solo un mes»?, ¿por qué sale aquí la cara de Kim Basinger?

Y pasa, entonces, como pasa a los animales de cierta granja cuando intentan distinguir a los cerdos de los hombres: ¿cuál es la página Guardados y cuál es mi Inicio?

Terminada esta introducción, sobra decirlo, absolutamente innecesaria, a lo que estamos: que, en fin, hoy, de esos 353 enlaces guardados, he rescatado esta recopilación de escritores (siglo XIX en adelante) que intentan guiar y aconsejar a los otros escritores, a los jóvenes, nuevos e inexpertos —con la excepción del primero, ese lo busqué directamente en Ciudad Seva— para reducir nuestro estrés y nuestras inseguridades, y no dejarnos vivir definitivamente.

  1. Hay que empezar por lo básico. Decálogo del perfecto cuentista de Horacio Quiroga. Eso sí: no te pases, ya sabemos cómo fue la vida de Quiroga.
  1. Nada más canónico que el padre del cuento moderno.6 claves de Chejov para escribir una historia.
  1. Los famosísimos consejos para escribir Poe.
  1. 13 ¿lecciones? para escribir de Stephen King. Están en inglés. Si no hablas inglés, mejor. Ya sabemos quién es Stephen King. Y: ¿«Just start it»? ¿«Follow your passion»? ¿Me quieres vender el American Dream otra vez? Aunque hay que admitir que luego es graciosa su autocondescendencia cuando afirma que «you cannot please everyone». Un hombre listo, ese Stephen King.index
  1. Los Treinta consejos de vida y prosa de Jack Kerouac tienen su punto, quizás porque llevan «BEAT» escrito con sangre. Si la sintaxis te descoloca, salta al consejo número 13: «Desaloja inhibiciones literarias, gramáticas y sintácticas».
  1. Hemingway: «El don más esencial para un buen escritor es un detector de mierda interno». Si no lo amas, sal de mi artículo.
  1. Los 10 consejos de Bradbury provocan sentimientos encontrados —pero también su literatura, así que no hay por qué sorprenderse—. Nadie puede negar que hay que amueblar la cabeza y enamorarse de las películas, pero… «¿haz una lista con diez cosas que adoras y otras diez que odias?» Seriously?
  1. Finalmente y por si habías sacado algo en claro, destrózalo de nuevo y vuelve a las dudas de siempre con ayuda del maestro Borges. A Bioy Casares no lo menciono por perpetuar su maldición del ninguneo, ¿para qué sacarlo del olvido si es un gran autor?

shaun

El Origen del Jazz

Más que un Estilo Musical, una Corriente Cultural, una Actitud Vital

Seguramente todos hayamos escuchado alguna vez a grandes artistas de Jazz como Duke Ellington, Louis Armstrong, Nina Simone o Ella Fitzgerald, y nos hayamos maravillado con sus grandezas musicales. El estilo de Jazz se nos presenta como una forma musical inherente a la piel negra de estos artistas, pero, ¿Qué tienen en común este estilo de música con la raza negra?

La música Jazz surgió como el resultado de la experiencia Afro-americana en Estados Unidos. En concreto su origen se remonta a mediados del siglo XIX en Nueva Orleans, ciudad a la que llegó un gran número de africanos dejando atrás su origen y su vida para ser sometidos a la esclavitud. Nos situamos en unos de los momentos de la historia de máxima explotación y supresión de la raza negra por manos blancas y mentes occidentales. Pues bien, durante el periodo de esclavitud surgieron los espirituales y se desarrolló el blues. Los espirituales eran expresiones musicales cantadas a capela por los africanos al ritmo del pico y la pala mientras trabajaban las tierras de sus amos blancos, era un canto grupal en el que una voz lideraba y con el que mostraban de manera codificada sus deseos de libertad. Sin embargo, el blues surgió como forma musical individual que expresaba el dolor y el lamento de una comunidad que ha sido alejada de sus orígenes, forzada y maltratada. El blues, por tanto, es un grito de lamento y nostalgia marcado por el ritmo de la raza africana, un estilo musical que reluce la brillantez de un sentimiento cargado de espontaneidad, de sensualidad y deseo.

James_Hopkinsons_Plantation_Slaves_Planting_Sweet_Potatoes

Sin embargo, como Ana Manzanas y Jesús Benito afirman en La Estética del Recuerdo “tras la emancipación de los esclavos tras la guerra civil, no sólo su estilo de vida sino también sus formas culturales y su entendimiento del universo sufrieron una transformación radical.” Un gran número de esclavos huyeron hacia el norte de Estados Unidos, donde había sido abolida la esclavitud, en busca de una nueva vida, nueva identidad, nuevas oportunidades.

La ciudad del norte de Nueva York, Harlem, fue para el individuo negro la nueva “promised Land” o tierra prometida a les ofrecía nuevas oportunidades, nuevos estilos de vida y nuevas identidades. El nuevo negro buscaba borrar su memoria del periodo de esclavitud. Cuerpos libres y mentes esclavas llegaban a Harlem tratando de adaptarse al vivo e intenso ritmo de la cuidad. Una ciudad con trabajo, expectativas, musicalidad, vitalidad, libertad, lejos de toda segregación racial. Este fue el entorno en el que se desarrolló el jazz. Allí donde el espíritu negro trata de asimilar la velocidad y el ritmo urbano, donde manos afro-americanas entran en contacto con instrumentos provenientes de Europa, donde las voces bluseras de lamento y nostalgia son sustituidas por diferentes voces instrumentales, como el saxofón o el clarinete, improvisando al vivo ritmo urbano. Este naciente estilo de música lleva inherente la cualidad primordial de la esencia africana, el estilo improvisacional que ya resplandece en el blues.

jazz2

Sin embargo, el jazz no surgió solamente como un estilo musical, sino que fue un movimiento cultural, un estilo o una actitud hacia la vida. En el periodo de su nacimiento, el jazz estaba asociado con sexo, prohibición, drogas, vida nocturna, etc. Este estilo musical era considerado como una influencia negativa para las nuevas generaciones, ya que se aleja de toda convención anterior -musical y social – dando así prioridad a la improvisación, la libertad y la espontaneidad. Mientras que en Europa se ponía énfasis a la moralidad, modales y costumbres, y predominaban los bailes de salón con vestidos pomposos y piezas musicales en directo interpretadas por unos músicos que leían partituras escritas, en el nuevo entorno urbano Afro-americano el ritmo de vida era tan intenso y tan a contracorriente como el jazz. Predominaban los solos, riffs, improvisación, jovialidad y movimiento y se alejaban del lamento y la nostalgia característicos del blues.

jazz-sextet-synopsis-130305_img_0

Por lo tanto, cuando de la blusera “expresión del sufrimiento surge la máxima celebración del impulso vital, capaz de superar toda opresión” hablamos del surgimiento del jazz. Este estilo de música surge como un enérgico e instintivo grito vital, nace del espíritu liberado de toda convención, de toda opresión cantando al ritmo de su comunidad. Jazz es el nuevo negro en su nuevo entorno urbano, Jazz es el himno de las clases más bajas, considerado como inmoral por las clases más altas de la sociedad. Pero cuando el Jazz comienza a tener cierto éxito, el individuo blanco y de alto estatus imita, alaba y se adjudica la grandeza de este estilo musical. Sin embargo, jazz es un producto de la historia Afro-americana. Jazz es identidad e historia.

Mientras la comunidad afro-americana trata de encontrar nuevos yoes, nuevos estilos de vida y nuevas libertades, en esta era del jazz, se viven los mayores excesos de riqueza, corrupción, el auge del materialismo y la superficialidad en la sociedad rica blanca americana. A parte del nuevo negro, en este periodo surge también el nuevo rico y su nueva “moralidad.” Esto se refleja muy bien en El Gran Gatsby, donde Fitzgerald critica a estos individuos con voces “full of money” y mentes vacías de humanidad. La inmensa mansión de Gatsby se llena de desconocidos individuos con vestimentas extravagantes, de falsas y vacías conversaciones, de ginebra y de jazz en directo.24 En la mansión de Gatsby no se mueve más que dinero y corrupción; juventud y nuevos conceptos de estética; materialismo, fama y falsedad.  La era del Jazz estaba marcando una nueva corriente, una nueva libertad. Autodestructiva para unos, liberadora y auténtica para otros.

Mientras que escritores como Fitzgerald tratan de mostrar el ritmo y los excesos de la era del Jazz desde un punto de vista occidental blanco, escritores y poetas Afro-americanos siguen tratando de defender su identidad y su condición negra a través de este estilo. Podríamos destacar a Langston Hughes, icono importante del renacimiento artístico Afro-americano. Con sus obras literarias Hughes habla en nombre de su comunidad, se convierte en portavoz de su raza. Con su estética artística afro-americana Hughes nos invita a evidenciar cómo la literatura y el lenguaje son necesarios para crear identidad. Para ello su poesía tomó el modo y el ritmo de jazz. En un ensayo llamado “the negro artist and the racial mountain”, Hughes afirma que para él:

“jazz es una de las expresiones más inherentes a la vida del individuo negro en América. Jazz es el eterno tom-tom latiendo en el espíritu negro, el tom-tom de rebelión en contra del hastío en el mundo blanco, un mundo de trenes subterráneos, de trabajo, trabajo y trabajo; el tom-tom de la diversión y de la risa, y del miedo tragado por una risa”

Por lo tanto, escritores Afro-americanos como Hughes tratan de crear consciencia racial mediante formas de jazz. Sin embargo, ya no solo la comunidad negra se ceñía al jazz como modo de liberar su identidad, sino que las nuevas generaciones americanas empezaron a utilizar y asociar este estilo con la pura espontaneidad y la libertad vital. Un buen ejemplo de esto son los artistas de la generación beat. Los miembros de esta generación percibieron la música y la poesía jazz como fuertes potencias en contra de las convenciones literarias y sociales. Iconos importantes de esta generación como Kerouac o Ginsberg consideraban el jazz no solo como un estilo musical y literario sino como un modo de vida. Howl4

El poema de Ginsberg, Aullido, es un ejemplo clave de como las obras de la generación beat son pura espontaneidad y vitalidad. Este poema es un grito agresivo contra la cultura autodestructiva americana de la época que estaba arruinando, como el propio Ginsberg manifiesta; “las mejores mentes de mi generación”. Es un grito con intenso ritmo, carácter improvisacional marcado por drogas, sexualidad, locura, y los excesos de la humanidad. Estos escritores tomaron el carácter espontáneo e improvisacional del jazz para crear algo propiamente suyo alejado de toda convención literaria occidental. Esta generación de artistas mantiene el beat o latido auténtico y agresivo de la vida. La banda sonora de su arte no podría ser ni pop, ni rock, ni funk, sino puro y auténtico jazz. Un estilo musical lleno de sensualidad, éxtasis, variación, ritmo e intensidad, mostrando así una espontánea y auténtica manera de vivir.

Por lo tanto, aunque el Jazz nace en un entorno urbano bajo manos afro-americanas, aunque Jazz sea la musicalidad del espíritu y de la identidad negra, este estilo de música acaba por convertirse en una actitud, en un ritmo vital, en un símbolo de libertad y espontaneidad para toda la sociedad.

2_20131009135522

“Lucharé. ¡En el nombre de mi padre, y en el de la verdad!”

Puede contener trazas de spoilers. No apto para imperialistas británicos.


 

 ‘En el nombre del padre’ es una película irlandesa del año 1993 dirigida por Jim Sheridan. Está enmarcada en la lucha del IRA frente a la opresión del Estado Británico, mostrándonos el clima conflictivo y altamente organizado del Belfast de los años 70. Gerry, joven gamberro y protagonista 2016210151748_3de la película, huye de Belfast por la falta de expectativas para chavales como él: conflictivos, divertidos y poco comprometidos con la causa irlandesa. Decide marchar a la ciudad del Támesis, con la mala fortuna que su llegada coincide con un atentado sangriento que pone en pie de guerra al Estado Británico: las bombas del pub Guildford. El IRA, en una etapa especialmente sangrienta, puso varias bombas en pubs o lugares concurridos por militares. Una de estas bombas fue la del pub de Guildford, que se llevó la vida de cinco personas.

Gerry, que no tenía que ver y, literalmente, pasaba por allí, fue detenido junto a su amigo Paul y retenido 7 días en comisaría. Finalmente, fue juzgado y metido en prisión por un crimen que no cometió. ¿Y cómo se mete en prisión a un inocente gamberro irlandés que solo buscaba drogarse y pasárselo bien?

Prevention of Terrorism Act 1974. La joya de la represión de la corona. Esta ley de «prevención» del terrorismo permitía que una persona pudiera ser retenida siete días sin ningún tipo de prueba o acusación consistente. Siete días sin abogado, ni cámaras ni nada. Siete días de tu palabra contra la de los policías que te interrogarán con palabras melosas y suaves caricias que, repitiéndose día tras día, acabarán por sacarte una confesión falsa. Y esto es precisamente lo que le ocurrió a Gerry y a Paul, quienes fueron torturados y obligados a firmar una confesión que no habían redactado. dvd_nameFueron obligados a mentir para ser juzgados y encarcelados, al igual que el resto de los cuatro de Guildford, entre los que se encontraba su padre. Creo que es importante recordar que, tras las detenciones de Gerry y Paul se detuvo a Paddy y Carole, amigos de los primeros que también pasaban por allí. Y no solo eso, sino que también estaban los siete Maguire, todos miembros de la familia Maguire, como Gerry, que fueron detenidos por supuesta colaboración con la célula que atentó en el Guildford. Y entre estos malvados terroristas se encontraba Conlon, padre de Gerry, quien era un simple trabajador honrado que trataba de ganarse la vida en Belfast. Hasta qué punto llega la ceguera ideológica ultranacionalista, ¿eh?

Y es que el autoritarismo y la represión legal son una piedra angular en cualquier estado. Althusser llamaba al uso de la fuerza represiva de manera legal “aparato represivo del Estado”. Según él, esto mantenía la dominación de la burguesía sobre la clase obrera, en este caso irlandesa. Pero también había que mantener a los británicos a raya, no fuera a ser que solidarizaran con sus compañeros irlandeses. 7973_1Siguiendo con Althusser, el Estado Británico hizo buen uso del control ideológico de la clase obrera, distorsionando su realidad de forma que no se solidarizaran contra opresores, sino oprimidos. ¿No tiene más en común un obrero de Lancashire con otro de Cork? ¿O es que un ricachón con mansión en Chelsea puede llegar a compartir intereses con un minero de Hull?

En la película se muestra fielmente cómo incluso la justicia, fuente de sabiduría y promotora de la verdad, no es más que una maquinaria legal a favor de los intereses del Estado. Recordemos cómo el juez opina, obviamente en voz alta, que no se explica cómo no se acusa a los inocentes de Guildford de alta traición. Debe ser que en su elegante casa a orillas del Támesis hippy y terrorista eran lo mismo, y cualquier prueba en contra era pura coincidencia.

¿Y por qué narices acepta la gente esta injusticia? No había pruebas para encarcelar a los cuatro de Guildford, ni a ninguno de los siete Maguire. Foucault decía que esto se debe a la norma y normalización: hay una aceptación social, una especie de consenso, que lleva a la población a ser conformistas como norma. Por ejemplo, los asistentes al juicio no se sorprenden con las acusaciones a la policía de tortura porque ni siquiera las creían. Para ellos la policía era garante de la unidad de la patria y era incuestionable. Es más, en la película se ve como gritan “que les maten” y lindezas del estilo. Todo sea por la patria, oh God save the Queen. El uso ideológico de la nación está presente a lo largo de la película, e incluso se llega a admitir que la farsa se cometió por asegurar la unidad de la patria. in-the-name-of-the-father

Lamentablemente, Conlon muere. El padre de Gerry, aquel humilde trabajador, acaba muriendo en la cárcel, a pesar de las campañas nacionales e internacionales por su liberación. Y Gerry recoge el relevo y lucha contra la ideología del Estado. En el nombre de su padre:

“Lucharé. ¡En el nombre de mi padre, y en el de la verdad!”

Gerry grita esto ante las cámaras del television cuando, al fin, es puesto en libertad. Sale trepando por la sala, esquivando periodistas y asistentes, se enfrenta a los periodistas y suelta su verdad. Esta película está hecha por lo mismo, para luchar por la verdad. Es una producción contraideológica que busca decir la verdad desde una perspectiva empática, haciéndonos sentir lo que los cuatro de Guildford sintieron encerrados en prisión por un crimen que no cometieron. La rabia corre por nuestras venas y, como Gerry, se libera cuando ruge ante las cámaras. La memoria de Conlon está impecable tras el juicio, Gerry es libre y el resto de prisioneros irlandeses también. Y nosotros, meros espectadores de la tragedia irlandesa, pensamos y simpatizamos con ellos. Y aprendemos que nunca hay que creer en la historia única, que suele estar contada por los vencedores.

1366_2000

¿Dónde están los amigos?

Mucho han cambiado los tiempos desde que la palabra era valiosa, el respeto era un bien preciado y los secretos un tesoro bien custodiado por sus dueños. Y es que, por más que haya que adaptarse, hay cosas que no deberían cambiar nunca.

            Si observamos a nuestro alrededor, se puede ver una inmensidad de réplicas de un mismo modelo, lo cual hace pensar: ¿Dónde quedó la personalidad propia? Estos modelos no sólo se limitan al área física sino que también abarcan el aspecto psicológico así como la conducta. No es lo único que ha cambiado; Las nuevas tecnologías han abierto un universo completamente nuevo, lleno de posibilidades en el que todo el mundo puede autoabastecerse de conocimiento y, sin lugar a dudas, han facilitado importantes aspectos de nuestras vidas. No obstante, están perjudicando de manera considerable a una sociedad que cada vez es más objeto de manipulación. Da la impresión de que la existencia  de una gran mayoría no se consuma hasta que no es materializada en pantalla y con fondo azul. Entre las posibilidades que brindan las nuevas tecnologías está el de la falsa apariencia, que ya no sólo se limita a la imagen que queramos mostrar al mundo (generalmente magnificada), sino que también involucra la concepción de “amistad”. ¿Cuántos amigos tenemos? ¿Cómo de solos estamos? ¿Cuántos de esos amigos son verdaderos? Son preguntas que muchas personas eluden por temor a ser golpeados por la cruel respuesta  de la realidad en la que viven.

            Ha pasado a ser muy sencillo “preocuparse” por el prójimo mostrando cierta omnipresencia fraternal que evapora la sensación de soledad y difumina al mismo tiempo la percepción de amistad. Pero, como bien deberíamos saber todos, el vapor termina volviendo a su estado original. Si nos detenemos a pensar y desfragmentar nuestro universo personal, veremos que es muy fácil teclear cuatro palabras, pero es más fácil aún tener la sensación de que la otra persona está a nuestro alcance como apoyo incondicional. Sin embargo, de los miles de mensajes que intercambiamos a la semana, ¿cuántos van acompañados de presencia física? ¿Dónde están esos amigos cuando lloras en soledad? ¿Dónde están cuando te encuentras al borde del abismo? ¿Dónde están cuando caminas hacia el precipicio? Y lo que es más importante aún… ¿Dónde están cuando te quedas sin batería? Visto desde este punto de vista, resulta que el mejor amigo de la humanidad está pasando a ser una pantalla inerte. Las respuestas reflejan que lo que no ha cambiado es el hecho de que los auténticos amigos se cuentan con los dedos de una mano, muy a pesar de la sensación que ofrece la tecnología. Sin embargo, nunca es tarde para hacerse amigo de la razón.  Dijo Franklin que para conocer el valor del dinero hay que intentar tomarlo prestado, yo digo que para conocer quién es tu amigo, intenta quedar con él. Reflexionen, “amigos” míos.

C.

El arte contemporáneo desde los ojos de Hito Steyerl

El museo Reina Sofía acoge de forma temporal la obra Duty Free Art de la alemana Hito Steyerl. Más allá de la obra en sí, compuesta principalmente por elementos relacionados con los mass media, los tejidos sintéticos y el juego con el receptor de la obra convertido en espectador, Duty Free Art obliga a una reflexión sobre el arte actual, su estatus como arte y todo lo que ello significa. Steyerl muestra en la exposición su propia mirada sobre la sociedad, qué relatos circulan y cómo se desarrollan.

En primer lugar, es necesario valorar una obra no sólo por las herramientas o procedimientos que se han llevado a cabo para configurarla sino también, y por encima de todo, valorarla como un arma de comunicación. El arte actual, muchas veces devaluado por la carencia-en apariencia- de técnicas bien ejercidas, encierra su valor en la intención comunicativa del mismo. En una era en la que prima la comunicación a raíz del triunfo, especialmente, de internet, es comprensible que el arte contemporáneo incida y haga hincapié en el mensaje que permite, ahora más que nunca, la interacción entre el autor y el público.

A partir de la postmodernidad, comenzamos a ver nuevas formas de arte que basan su nueva morfología en el collage, la hibridación y el bricolaje. Con la concepción de la originalidad como algo que ya no es posible, las nuevas formas se simplifican a la vez que se unifican. El artista no busca, entonces, la ruptura que llegó con la modernidad. Desaparece el deseo de ser diferente, no hay una vuelta a un arte mimético pero a la vez, se reconoce la imposibilidad de crear algo nuevo en un momento el que ya todo se ha inventado; la lámpara se funde y el espejo ya está roto. Esto obliga necesariamente a construir un arte que sea, en esencia, pura comunicación. A ser una expresión de la interpretación personal del artista de la sociedad en la que vive y el mundo que le rodea.

Así, se establecen una serie de ejes temáticos que se convertirán en el leimotiv de muchas de las creaciones contemporáneas. En una sociedad que ha perdido la fe en la consecución de la utopía al ser espectadora de cómo las revoluciones durante el siglo XX fracasaron -desde la revolución mexicana, pasando por la soviética, la cubana y las revoluciones que se dieron en varios países en el año 68, último momento de idealización de la utopía- se avanza paulatinamente por un camino idiosincrásico y global que tiene como meta el nihilismo. Consecuentemente, el arte refleja con lienzos en blanco o apenas manchados, la colocación de una sola palabra al azar en una hoja de papel o la fotografía de un objeto o situación que carecen de toda marca que lo distinga de manera particular en otra, el vacío, la disolución de los altos valores defendidos con fruición hasta la mitad del siglo pasado subrayando, por el contrario, la ética mercantil e individualista imperante.

La interdisciplinaridad, como en todo, se muestra también en este arte actual. De esta manera, elementos como la tecnología y, en definitiva, la cultura de masas funjen en las creaciones, se imbrican en ellas y forman parte fundamental de las mismas. La televisión, se convierte en la actriz que representa las nuevas conductas humanas. Se toma tanto lo tangente, es decir, el aparato en sí, como el contenido que reproduce. La ruptura de la morfología televisiva tanto en lo físico como en lo relacionado con la imagen refleja un estado comunicativo en el que el mensaje muchas veces se disuelve proyectando así la paradoja de un mundo interconectado pero que no se comprende.

fotonoticia_20151111132359_1280

Esta es la mirada parcial de Hito Steyerl, una mirada compartida y que tiene otros firmes ejemplos en la literatura visibles en un Tao Lin que encabeza el movimiento de la Alt-Lit. El arte se presenta ahora de forma oblicua y descriptiva a través de los ojos no solo del que crea sino del espectador que observa desde el hueco-que permite una infinidad de interpretaciones legítimas- como un espejo deformado que refleja una aldea global que siendo capaz de todo siente la imposibilidad de actuar.